现代古典乐，多为理论和手法，
印象派/印象主义（Impressionism）是19世纪末至20世纪初起源于法国的现代古典（Modern Classical）音乐流派，是对浪漫主义（Romanticism）的回应。该术语常用于描述德彪西（Claude Debussy）和拉威尔（Maurice Ravel）等作曲家。与印象派艺术运动类似，音乐中的印象派更注重描绘不同氛围和情绪的笔触，而非固定和具体的概念。印象派将浪漫主义中不协和音的表达运用提升到了一个新的高度。尽管浪漫主义时期的高潮部分被大幅弱化，印象派却进一步运用了在现代西方音乐中较为罕见的音阶与进行，如五声音阶、模态音阶（尤其是全音音阶），以发展出模糊的和声，营造出梦幻且超凡脱俗的音效。不协和音在此更常呈现出轻快活泼而非侵略性或阴森的特性。印象派通常为小型室内乐团或钢琴创作，充分利用乐器的旋律音域。独奏乐器通常更注重表现力而非技巧，运用丰富的演奏技巧和装饰音，而管弦乐部分常以平行进行的方式发展。节奏部分稀疏，拍号和速度变化不可预测，使得韵律模糊难辨，进一步强化了梦幻般的氛围。尽管到20世纪20年代，随着Claude Debussy和萨蒂（Erik Satie）的去世，印象派开始失去人气，但其对现代音乐的影响显而易见。
表现主义（Expressionism）是用来描述从浪漫主义时期（Romanticism）结束时放弃调性到勋伯格（Arnold Schoenberg）创立十二音技法期间所创作的音乐的通用术语。这一流派与第二维也纳乐派（Second Viennese School）的作曲家们密切相关，包括Arnold Schoenberg及其学生Alban Berg、Anton Webern。
序列主义（Serialism）是一种作曲方法，其中音高被分为音列（音高序列）来确定其使用顺序和频率。该流派的基本形式主要由勋伯格（Arnold Schoenberg）发展而成，他创立了“十二音技法”，旨在赋予音高平等的地位，从而消除“功能性调性”的观念。Arnold Schoenberg在20世纪20年代初的音乐中探索了早期序列主义，其学生组成的“第二维也纳乐派”（Second Viennese School）也参与其中，包括Alban Berg和Anton Webern。战后时期的作曲家将序列主义的原则扩展到作曲的各个方面，如节奏、力度、音域、音符断奏和音列形式。这被称为整体序列主义/Integral Serialism（或“完全序列主义”/Total Serialism等其他名称）。这一时期也标志着序列主义的进一步传播，作曲家们或多或少地将其融入自己的创作中，实验性地运用整数序列主义，以及非十二音序列主义（音列长度少于或多于十二个音符）。
不确定性（Indeterminacy）是一种音乐风格，它将作品的创作、表演或两者都交由偶然性决定。Charles Ives常被视为音乐中不确定性风格的早期重要实践者，其20世纪初的许多作品中均体现了这一风格。20世纪30年代，Henry Cowell采纳了Charles Ives的部分理念并融入自己的作品中，其中最著名的是他的《String Quartet No. 3》，该作品允许演奏者以多种可能的顺序排列作品片段。这种风格在20世纪50年代和60年代得到了显著发展，得益于所谓的“纽约学派”音乐家们，这是一个非正式的美国音乐家群体，他们从各种前卫艺术运动中汲取了大量灵感。Earle Brown、Morton Feldman、Christian Wolff、John Cage被视为纽约学派在不确定性领域的重要代表人物，其中John Cage常被视为该风格的先驱之一，其作品《4'33"》至今仍被认为是最著名的不确定性作品。
随机音乐（Stochastic Music）是现代古典音乐（Modern Classical）创作的一种方法，主要由Ιάννης Ξενάκης于20世纪50年代初发展而来，并在他的著作《Formalized Music》中进行了阐述。这种音乐源于Ιάννης Ξενάκης对序列主义（Serialism）的批判。在他看来，序列主义只是用更严格的抽象因果关系取代了调性音乐的自然因果关系，以创造无调性音乐。然而，Ιάννης Ξενάκης认为，这种因果关系无法被感知，听众所听到的只是一个随机的音符集合，这导致序列主义在其复杂性下崩溃。随机音乐是一种受引导的不确定性音乐（Indeterminacy），其中后续状态仅部分由先前状态决定，即具体状态n+2在状态n+1之后仅以某种概率出现。音乐的每一个方面，无论是音高、时值、音色、力度等，都可以服从于这样的偶然性规律。
音响主义（Sonorism）是一种现代古典音乐（Modern Classical）创作风格，其特点是通过强调音乐质感与音色的技法与形式来构建作品。该风格以序列主义（Serialism）、随机音乐（Stochastic Music）及现代主义对半音音群和弦的运用为基础，音响主义作品常将非传统乐器音色融入非常规对位或极度密集的音响结构中。这包括“声音质量”创作（如Krzysztof Penderecki和Karel Husa所采用的），以及其他旨在弱化传统音乐中重要元素（如旋律、节奏和和声）而强调质感、音色、动态和发音的风格。音响主义并不一定局限于管弦乐或器乐，它也可应用于强调文本声音特性的合唱音乐，如Krzysztof Penderecki的《Stabat Mater》，以及Bogusław Schaeffer和Andrzej Dobrowolski等人的电声音乐（Electroacoustic）和具象音乐（Musique concrète）作品。音响主义常运用无调性半音阶和微分音，以及传统乐器的扩展演奏技巧和发音方式，以创造独特的音色。
频谱主义/光谱主义（Spectralism），是一种通过分析、处理和转化声音频谱进行创作的实践。计算机基于声音频谱分析的快速傅里叶变换（FFT）是生成描述性数据最常见的方法之一。频谱主义作品主要关注音色和质感，摒弃旋律与和声。Tristan Murail曾将频谱音乐描述为一种创作态度而非技术集合，是一种美学而非风格。频谱主义的起源可追溯至Edgard Varèse、Olivier Messiaen、György Ligeti、Karlheinz Stockhausen、Ιάννης Ξενάκης的作品。“频谱音乐”这一名称由法国作曲家Hugues Dufourt于1979年提出。频谱主义主要在巴黎的IRCAM（音乐与声学研究所）发展，由Gérard Grisey、Tristan Murail等作曲家开创。
过程音乐（Process Music）是一种现代古典音乐（Modern Classical）形式，其创作过程中运用了特定的流程。音乐流程是一种不断演变的结构，它既决定了作品的形式，也决定了其内容。音乐学家兼作曲家Michael Nyman将过程分为五种不同形式：偶然性决定过程（依赖于偶然性，如不确定性/Indeterminacy）、人际过程（表演者以自己的节奏演奏同一音乐）、语境过程（音乐本身的不确定变量决定表演的某些方面）、重复过程（作品仅通过重复发展）以及电子过程（广义上允许电子设备决定音乐的各种元素）。这些过程通常可通过声音辨识，但部分作曲家会主动掩饰这些特征。
微分音古典音乐（Microtonal Classical）是现代前卫音乐中的一种流派，其作曲家主要关注微分音音程（即西方传统十二平均律音阶中不存在的音高）的运用。尽管电子（Electronic）乐器的使用通常使微分音音乐更易于创作且更精准，但纯粹的声学作品同样可行且并不罕见。Harry Partch和Ben Johnston便是微分音古典音乐的先驱作曲家代表。
具体乐器音乐（Musique concrète instrumentale）是一种当代古典音乐（Modern Classical）风格，其创作大量依赖于非传统演奏技巧。具体乐器音乐的创作常涉及产生噪音、空灵或无音高的声音，例如通过施加强力弓压于弦乐器以产生刮擦音、弓擦弦乐器琴身，或直接向管乐器吹气而不发出音符。尽管这些技巧在自由即兴（Free Improvisation）和不确定性音乐（Indeterminacy）中也常被使用，但在具体乐器音乐中，这些声音会根据预先设定的作曲逻辑进行精心安排和处理。具体乐器音乐作品常常需要采用新的记谱方法。各种形式的tablature记谱法，即规定要采取的动作而非描述声音结果的记谱法，较为常见。尽管部分音乐所需的符号已开始被广泛采用并标准化，但通常仍会在乐谱前附上详尽的演奏说明，以明确该作品的记谱法和技术特异性。该风格由Helmut Lachenmann于20世纪60年代末至70年代初开创。